In der Zeit, seit ich mit meiner kreativen Arbeit Profi geworden bin (sprich: Geld zu verdienen begann), habe ich ein wirklich entmutigendes Maß an Urteilsvermögen erlebt – ein snobistisches Urteilsvermögen, zumeist voller Widersprüche, die darauf abzielen, einige Kreative über andere zu stellen, basierend auf völlig willkürlichen Kriterien, die dem Sprecher zugute kommen und eine Mauer aus Geheimnissen und Privilegien zwischen Menschen, die gerne fotografieren, und dem Etikett “Fotograf” errichten.
Ich halte das für ziemlichen Horsehit. Ich denke, Kreative der alten Schule (und einige Kreative der neuen Schule, die sich gerne für altmodisch halten) fühlen sich in vielerlei Hinsicht dadurch bedroht, wie viel zugänglicher ihr Arbeitsbereich in den letzten Jahren – Jahrzehnten – geworden ist, und sie sind entschlossen, sich zu verteidigen, indem sie die Methoden anderer angreifen, anstatt einfach einen Schritt zurückzutreten und zu erkennen, dass Zugänglichkeit ihnen nicht schadet. Das wird sie nicht.
Vieles davon ist verständlich: Jemand hat viel Geld und Zeit in seine Ausbildung gesteckt und will nicht, dass Leute, die nicht das Gleiche getan haben, die gleichen Chancen haben; jemand hat Jahre gebraucht, um Kunden dazu zu bringen, ihre Preise zu zahlen, und will nicht, dass Neuankömmlinge den Markt abwerten, indem sie anbieten, umsonst zu arbeiten; jemand hat in seine Ausrüstung investiert, lange Zeit damit verbracht, sein Handwerk zu verfeinern, sein Portfolio aus der eigenen Tasche aufgebaut.
[Ergänzung aufgrund diverser “Unstimmigkeiten”:] Seit der Novelle zur Handwerksordnung zählt die Tätigkeit als Fotograf zu den zulassungsfreien Handwerken, siehe Anlage B Abschnitt 1 Nr.38 zur Handwerksordnung. Eine absolvierte Ausbildung oder Meisterprüfung ist hierfür also nicht mehr erforderlich, so dass auch die Berufsbezeichnung keines Schutzes mehr bedarf. Solange also nicht der irreführende Eindruck erweckt wird, dass eine Gesellen- oder Meisterprüfung absolviert wurde, darf man sich in Ausübung seiner Tätigkeit Fotograf nennen und hiermit auch werben.
Jemand hat gelernt, seine Kamera so zu bedienen, dass sie genau das tut, was er will, und will nicht, dass andere Leute durch Nachbearbeitungsmethoden die gleichen Ergebnisse erzielen, denn eine Aufnahme direkt aus der Kamera ist das einzig Wahre und es sind keine Effekte damit verbunden… Moment, ich kann nicht weitermachen, mir ist einfach das Verständnis ausgegangen.
Wie auch immer, mein Punkt ist, dass der Wettbewerb beängstigend ist und wir zu der Überzeugung erzogen werden, dass wir einen bestimmten Weg gehen und bestimmte Ergebnisse erreichen müssen, und jeder, der das anders macht, hat weniger verdient. Wir werden dazu erzogen, zu glauben, dass es nur einen geben kann. Er ist schädlich und gefährlich, und letztendlich hilft er niemandem. Und es macht überhaupt keinen Sinn. Deshalb werde ich einige ausgewählte Argumente anführen, die Menschen benutzt haben, um anderen Menschen, die das Etikett “Fotograf” benutzt haben, das Etikett “Fotograf” wegzunehmen, und was jedes Argument wirklich bewirkt.
Das Rätsel um die Ausrüstung
Argument #1: Du hast nicht genug Ausrüstung, um ein richtiger Fotograf zu sein. Echte Fotografen haben mehrere Kameragehäuse, mehrere Objektive, Zubehör, Stative, Reflektoren, Blitze, ein wahres Arsenal an Ausrüstung, in das sie Schweiß und Tränen gesteckt haben. Man kann nicht einfach in diesen Beruf hineinspazieren, wenn man das ganze Zeug nicht hat, und man muss es zu jedem Shooting mitnehmen, um zu beweisen, dass man der echte Fotograf ist, und man muss es auch benutzen.
Argument #2: Du hast zu viel Ausrüstung. Es ist nicht das Objektiv oder die Kamera, sondern das Auge dahinter. Es ist nicht fair, dass jemand 10.000 Euro für Fotoausrüstung ausgibt, wenn er nicht erfahren genug ist, um das Beste daraus zu machen, und jeder, der in teure Ausrüstung investiert hat, muss das getan haben, um die Tatsache zu verschleiern, dass er nicht weiß, was er tut.
Abgesehen davon, dass diese Argumente einander widersprechen, besagen sie im Grunde genommen, dass man ist, was man besitzt, und die Ausrüstung macht die Kunst, womit meiner Meinung nach jeder Kreative da draußen nicht einverstanden wäre. Aber das ist es, was die Leute sagen.
Einer der Nebeneffekte dieses Arguments besteht darin, dass Hobbyfotografen glauben, sie müssten bei jedem Shooting ein Auto voll Material mitbringen, selbst bei Außenaufnahmen, bei denen man um die Sets herumlaufen muss, nur um zu beweisen, dass sie legitim sind. Versteh mich nicht falsch, du kannst coole Tricks machen, Du kannst das Licht streuen, du kannst eine Menge lustige Sachen mit viel Ausrüstung machen. Aber man kann auch gute Aufnahmen machen, ohne die Hälfte davon, und sich die Mühe ersparen, alle fünf Meter einen Haufen sperriger Sachen aufzustellen und wegzuräumen, und sich vielleicht nicht scheuen, wenn jemand vorschlägt, etwas anderes auszuprobieren, nur um zu sehen, was dabei herauskommt.
Das Beherrschen vieler Ausrüstungsgegenstände ist nützlich, und es wird dir helfen, genau die Aufnahme zu bekommen, die du dir wünschst. Aber das Lustige an der Kunst ist, dass es viele gute Aufnahmen zu machen gibt, und man kann sie mit verschiedenen Ausrüstungsniveaus erreichen. Ein Niveau ist dem anderen nicht überlegen. Man kann mit einer 6.000-Euro-Kamera oder mit einer 100-Euro-Point-and-Shoot-Kamera ein schrecklicher Fotograf sein – und mit beidem kann man auch ein guter Fotograf sein.
Wenn du das Geld hast und protzen willst, warum nicht? Meine Einstiegs-DSLR war für mich ein Gewinn, und sie war es, die mich auf meine Fotoreise gebracht hat und die ich immer gerne benutzt habe.
Wenn du die Kohle nicht aufbringen kannst und trotzdem mit dem fotografieren möchtest, was du hast, warum nicht? Jede Ausrüstung hat ihre Grenzen, aber bedeutet das, dass man nicht fotografieren sollte, bis man das Geld für das Upgrade zusammen hat? Wenn man noch eine Kamera hat, die funktioniert und mit der man sich wohl fühlt und die man liebt? Eine Kamera, die viele Fotos liefert, die den eigenen Ansprüchen gerecht werden? Das kommt mir ziemlich albern vor. Ich hoffe, dass es dir auch so geht.
Der Mythos um die Ausbildung
Argument #1: Wenn man an der Universität Kunst studiert hat, wird sie einem von Leuten ausgetrieben, die behaupten, sie wüssten, was gute Kunst ausmacht, und die ihr die ganze Kreativität und Freiheit nehmen. Man kann Kunst nicht lernen. Man kann die Leute nicht dafür bezahlen, dass sie einem beibringen, Künstler zu sein. Entweder ist man einer, oder man ist keiner.
Argument #2: Wenn du keinen höheren Bildungsabschluss für Kunst erreicht hast, kannst du unmöglich eine Ahnung davon haben, was du tust. Man kann sich nicht alles selbst beibringen. Such dir einen Job als Toilettenputzer, um einen Foto-Kurs zu bezahlen, und wenn du einmal unglücklich und pleite bist, dann kannst du vielleicht versuchen, wieder Geld mit deiner kreativen Arbeit zu verdienen.
(Ich wünschte, ich würde übertreiben, aber das wurde mir schon in den 1990ern bei mehr als einer Gelegenheit vorgeschlagen, hauptsächlich in Bezug auf Grafikdesign).
Worauf dieses Argument hinausläuft, ist: Du muss dem Weg folgen, weil ich dem Weg gefolgt bin, und wenn du es in der Branche schaffst, ohne dem Weg zu folgen, den ich gegangen bin, dann bedeutet das, dass all das Geld und die Zeit, die ich dafür aufgewendet habe, wertlos war. Und das können wir nicht zulassen. Und du kannst unmöglich Geld und Zeit für deinen Weg ausgegeben haben und dafür gesorgt haben, dass er sich auszahlt, es sei denn, du hast es genau so ausgegeben wie ich und genau die gleichen Qualifikationen erworben wie ich.
Argument #1 ist in Disziplinen, die keine Technik beinhalten, wie Schreiben und Malen, weiter verbreitet, auch wenn man zum Schreiben und Malen ein wenig etwas über Grammatik und Fluss und Konsistenz wissen muss und darüber, welcher Pinsel was macht und wie sich Farbe vermischt. Es ist nur schon so lange her, dass jeder Zugang zu diesem Wissen hat, so dass Schriftsteller und Maler sich nicht bedroht fühlen, wenn andere ihr Handwerk erlernen. Sie wissen, dass es nur auf die Ausführung ankommt, darauf, was man mit dem Gelernten macht, wie auch immer man es gelernt hat.
Fotografen und Grafikdesigner, nun ja – diejenigen mit jahrzehntelanger Erfahrung gab es schon, als die Technik zu teuer und zu unzugänglich war, als sie noch neu und schwierig zu beherrschen war, als man ein ernsthaftes Privileg brauchte, um eine Kamera und einen Film in die Hand zu bekommen, und als man eine Dunkelkammer oder regelmäßige Ausflüge ins Labor brauchte, und als man seine Arbeit nicht online zur Verfügung stellen konnte, und als sie eingeschränkt war und nur besonderen Personen Zutritt gewährt wurde.
Das Problem ist, dass “speziell” in diesem Zusammenhang bedeutet: privilegiert: privilegiert, in eine wohlhabende Familie geboren oder aufgewachsen zu sein, wahrscheinlich männlich, die im Grunde Eigenschaften besitzt, die einen in Wirklichkeit nicht besser machen, nur in unserer verkorksten Gesellschaft.
Das anzuerkennen, ist ein schwerer Schlag. Niemand lässt sich gerne sagen, dass die Hälfte der Gründe dafür, dass er es so weit gebracht hat, nicht sein Talent ist. Aber es ist wahr. Privilegien bedeuten nicht, dass man gut ist. Ein Mangel an Privilegien bedeutet nicht, dass man schlecht ist. Am Ende des Tages entscheidet es nur darüber, ob man es herausfinden darf.
Inwiefern ist es etwas anderes als wunderbar, dass jetzt mehr Menschen versuchen dürfen, es herauszufinden?
Das Vollzeit-Job-Dilemma
Argument #1: Es dauert wirklich lange, Fotograf zu werden, und es ist wahnsinnig hart für jeden, dies von Anfang an Vollzeit zu tun. Alle Fotografen müssen das mühsame Ritual durchlaufen, einen Job zu haben, den sie hassen – oder zumindest nicht mögen – denn das zeigt das Engagement für ihre Kunst. Einen Vollzeitjob zu haben, gibt ihnen die Freiheit, die Arbeit, die sie beruflich machen möchten, kostenlos zu tun, und das ist wesentlich. Für jeden Kreativen ist es unerlässlich, für seine Zeit und Arbeit erst dann Geld und Zeit zu verlangen, wenn er eine willkürliche Summe Geld und Zeit damit verbracht hat, sein Portfolio aus der eigenen Tasche aufzubauen.
Argument #2: Wenn du klein angefangen hast, mit einem anderen Beruf, wenn du Mutter bist, wenn du Vater bist, wenn du ein Teenager bist, wenn du ein älterer Mensch bist, wenn du Familienmitglieder und Haustiere als Motive verwendet hast, wenn du kostenlos für deine Freunde gearbeitet hast, wenn du zum Spaß über Veranstaltungen berichtet hast, dann bist du kein richtiger Fotograf. Ein echter Fotograf würde seine Arbeit nicht auf diese Weise unterbewerten. Ein echter Fotograf würde die Dinge und Menschen, die ihm zugänglich sind, nicht als ein würdiges Motiv betrachten.
Die hässlichste Konsequenz dieser wiederum widersprüchlichen Mythen ist, dass sie genau eines der Dinge fördert, die Kreative vermeiden wollen: den Wettbewerb über den Preis. Sie sagen den Leuten, dass sie es nicht verdienen, für ihre Arbeit bezahlt zu werden, unabhängig davon, ob sie sie brauchen oder wollen, was bedeutet, dass sie umsonst arbeiten, was bedeutet, dass potenzielle zahlende Kunden sehen, dass einige Fotografen das, was sie brauchen, umsonst machen und erwarten, weniger zu bezahlen. Hier verliert buchstäblich jeder. Der Kunde gibt vielleicht weniger Geld aus, aber er verliert ein wenig von dem Respekt, den er für seine kreative Arbeit hatte.
Jeder verliert.
Fazit
Ich weiß, dass es Leute gibt, die dies als “Angriff auf die formale Bildung” oder “Angriff auf die Arbeit auf TFP” ansehen werden, aber es ist das Gegenteil davon. Ich will damit sagen, dass Kunst wirklich fantastisch ist. Es ist ein Arbeitsbereich, der es einem erlaubt, Kreativität und Zeit in Projekte zu stecken, und man kann entscheiden, ob man für seine Kreativität und Zeit Geld verlangen oder zum Spaß arbeiten oder – erstaunlicherweise ist das möglich – beide Dinge gleichzeitig tun möchte.
Es ist ein Arbeitsgebiet, das man sich autodidaktisch aneignen kann, denn es gibt viele Bücher, YouTube-Videos und Tutorials, Anleitungen und Inspiration, und man kann mit Dingen üben, die lebendig sind, und mit Dingen, die nicht lebendig sind, und man kann an Menschen üben, ohne dabei ihr Leben zu riskieren. Es ist ein Arbeitsbereich, der gelehrt werden kann, denn Geschichte und Licht und Farbe und Schauplätze und Technik und Tricks können von Ausbildern weitergegeben und von der Unterstützung anderer Menschen und von der eigenen Arbeit oder vom Lesen darüber aufgegriffen werden.
Du kannst die Leute wissen lassen, dass du das Handwerk studiert hast, indem du deinen Abschluss oder Zertifikate vorlegst, und du kannst mit Beispielen deiner Arbeit und Referenzen zeigen, wie gut du bist, und sie können genau sehen, was sie bekommen, wenn sie sich entscheiden, mit dir zu arbeiten.
Siehst du, nichts von all diesen Dingen schließt sich gegenseitig aus. Wenn du die Fotografie liebst und sie beständig ausübst – sei es zweimal am Tag oder zweimal im Jahr – und sie als einen wichtigen Teil deines Lebens betrachtest, kannst du dich selbst als Fotograf bezeichnen. Wenn du damit Geld verdienst, kannst du dich als professioneller Fotograf bezeichnen.
Andere Fotografen werden immer noch Fotografen sein. Andere professionelle Fotografen werden immer noch Fotografen sein, die mit ihrem Handwerk Geld verdienen – sogar ihren Lebensunterhalt. Ein schlechter Autodidakt mit viel teurer Ausrüstung, der meist seine Verwandten fotografiert und ein riesiges Wasserzeichen auf seine Fotos klatscht, gibt nicht allen Fotografen einen schlechten Ruf, genauso wenig wie ein schlechter, ausgebildeter Fotograf, der meist auf Bestellung fotografiert.
Es gibt nicht eine endliche Anzahl von Fotos, die von einer endlichen Anzahl von Menschen gemacht werden müssen, und dann geht der Pool zur Neige. Entgegen der landläufigen Meinung gibt es Platz für alle, und das ist für mich eines der besten Dinge an der Kunst.
Schöne Grüße von der dunklen Seite der Macht. (Wir haben übrigens Kekse!)
